amerikanska artister. 7 mästare som överraskade världen

Amerikanska artister är väldigt olika. Någon var en tydlig kosmopolit, som Sargent. Han är amerikan till ursprung, men har bott i London och Paris i nästan hela sitt vuxna liv.

Det finns också autentiska amerikaner bland dem, som skildrade livet för endast sina landsmän, som Rockwell.

Och det finns artister av den här världen, som Pollock. Eller de vars konst har blivit en produkt av konsumtionssamhället. Det här handlar förstås om Warhol.

Men de är alla amerikaner. Frihetsälskande, djärv, ljus. Läs om sju av dem nedan.

1. James Whistler (1834-1903)

Whistler kan knappast kallas en riktig amerikan. När han växte upp bodde han i Europa. Och han tillbringade sin barndom överhuvudtaget ... i Ryssland. Hans far byggde en järnväg i St Petersburg.

Det var där pojken James blev förälskad i konst och besökte Eremitaget och Peterhof tack vare sin fars kopplingar (då var de fortfarande palats stängda för allmänheten).

Varför är Whistler känd? I vilken stil han än målar, från realism till tonalism*, kan han nästan omedelbart kännas igen på två drag. Ovanliga färger och musikaliska namn.

Några av hans porträtt är imitationer av gamla mästare. Som till exempel hans berömda porträtt "The Artist's Mother".

Konstnären har skapat fantastiska verk med färger från ljusgrå till mörkgrå. Och lite gult.

Men det betyder inte att Whistler gillade sådana färger. Han var en extraordinär person. Han kunde lätt dyka upp i samhället i gula strumpor och med ett ljust paraply. Och det är när män uteslutande klädde sig i svart och grått.

Han har också mycket lättare verk än "Mor". Till exempel Symfoni i vitt. Så bilden kallades av en av journalisterna på utställningen. Whistler gillade idén. Sedan dess kallade han nästan alla sina verk på ett musikaliskt sätt.

Men sedan, 1862, gillade inte allmänheten symfonin. Återigen, på grund av Whistlers idiosynkratiska färgscheman. Det verkade konstigt för folk att skriva en kvinna i vitt på en vit bakgrund.

På bilden ser vi Whistlers rödhåriga älskarinna. Helt i prerafaeliternas anda. När allt kommer omkring var konstnären vän med en av de viktigaste initiativtagarna till prerafaelismen, Gabriel Rossetti. Skönhet, liljor, ovanliga element (vargskinn). Allt är som det ska vara.

Men Whistler gick snabbt bort från prerafaelismen. Eftersom det inte var yttre skönhet som var viktigt för honom, utan humör och känslor. Och han skapade en ny riktning - tonalism.

Hans nattlandskap i tonalismens stil ser verkligen ut som musik. Monokrom, trögflytande.

Whistler sa själv att musikaliska namn hjälper till att fokusera på själva målningen, linjer och färg. Samtidigt utan att tänka på platsen och människorna som avbildas.

Tonalism, liksom nära till det impressionism, i mitten av 19-talet var allmänheten inte heller imponerad. För långt från den realism som var populär på den tiden.

Men Whistler kommer att ha tid att vänta på ett erkännande. I slutet av hans liv kommer hans verk villigt att köpas.

2. Mary Cassatt (1844-1926)

Mary Cassatt föddes i en rik familj. Hon kunde leva ett sorglöst liv. Gift dig och skaffa barn. Men hon valde en annan väg. Efter att ha gett sig själv ett celibatlöfte för målningens skull.

Hon var vän med Edgar Degas. Fick i onsdags impressionister, för alltid medtagen av denna riktning. Och hennes "Girl in a Blue Armchair" är det första impressionistiska verk som allmänheten såg.

Men ingen gillade verkligen bilden. På 19-talet avbildades barn som lydigt sittande änglar, med krullade lockar och rosa kinder. Och här är ett barn som tydligt har tråkigt, sitter i en för avslappnad ställning.

Men det var Mary Cassatt, som aldrig fick sina egna barn, som nästan var den första att framställa dem så naturliga som de är.

För den tiden hade Cassatt ett allvarligt "fel". Hon var en kvinna. Hon hade inte råd att gå ensam till parken för att måla från naturen. Speciellt för att gå på ett café där andra artister samlades. Alla män! Vad fanns kvar för henne?

Skriv monotona tekalas för kvinnor i vardagsrum med öppna spisar i marmor och dyra teservisar. Livet är mätt och oändligt tråkigt.

Mary Cassatt väntade inte på erkännande. Först avvisades hon för sin impressionism och förment ofullbordade målningar. Sedan, redan på 20-talet, var den kraftigt "föråldrad", eftersom jugend var på modet (Klimt) och fauvism (Matisse).

Men hon förblev sin stil trogen till slutet. Impressionism. Mjuk pastell. Mödrar med barn.

För målningens skull övergav Cassatt moderskapet. Men hennes kvinnlighet manifesterades allt mer just i så känsliga verk som Sleeping Child. Det är synd att ett konservativt samhälle en gång ställde henne inför ett sådant val.

3. John Sargent (1856-1925)

John Sargent var säker på att han skulle vara porträttmålare hela sitt liv. Karriären gick bra. Aristokrater ställde upp för att beordra honom.

Men en gång gick konstnären över gränsen enligt samhällets uppfattning. Det är nu svårt för oss att förstå vad som är så oacceptabelt i filmen "Madame X".

Det är sant att i originalversionen hade hjältinnan en av braletterna utelämnad. Sargent "uppfostrade" henne, men det hjälpte inte fallet. Beställningar har blivit till ingenting.

Vad obscent såg allmänheten? Och det faktum att Sargent porträtterade modellen i en översäker pose. Dessutom är genomskinlig hud och ett rosa öra mycket vältaliga.

Bilden säger så att säga att denna kvinna med ökad sexualitet inte är emot att acceptera andra mäns uppvaktning. Dessutom att vara gift.

Tyvärr, bakom denna skandal, såg samtida inte mästerverket. Mörk klänning, ljus hud, dynamisk pose - en enkel kombination som bara kan hittas av de mest begåvade mästarna.

Men det finns inget ont utan gott. Sargent fick frihet i gengäld. Han började experimentera mer med impressionism. Skriv barn i omedelbara situationer. Så här såg verket "Nejlika, Lily, Lily, Rose" ut.

Sargent ville fånga ett specifikt ögonblick av skymning. Så jag jobbade bara 2 minuter om dagen när belysningen var rätt. Jobbade sommar och höst. Och när blommorna vissnade ersatte han dem med konstgjorda.

Under de senaste decennierna kom Sargent så in i smaken av frihet att han började överge porträtt helt och hållet. Även om hans rykte redan har återställts. Han avfärdade till och med oförskämt en klient och sa att han skulle måla hennes port med stort nöje än hennes ansikte.

Samtida behandlade Sargent med ironi. Anser att det är förlegat i modernismens tidevarv. Men tiden satte allt på sin plats.

Nu är hans verk värt inget mindre än de mest kända modernisternas verk. Tja, än mindre kärleken till allmänheten och säg ingenting. Utställningar med hans verk är alltid slutsålda.

4. Norman Rockwell (1894-1978)

Det är svårt att föreställa sig en mer populär artist under sin livstid än Norman Rockwell. Flera generationer amerikaner växte upp på hans illustrationer. Älskar dem av hela mitt hjärta.

Rockwell porträtterade trots allt vanliga amerikaner. Men samtidigt visa sina liv från den mest positiva sidan. Rockwell ville inte visa varken onda fäder eller likgiltiga mammor. Och du kommer inte att träffa olyckliga barn med honom.

Hans verk är fulla av humor, saftiga färger och mycket skickligt fångade uttryck från livet.

Men det är en illusion att arbetet gavs till Rockwell lätt. För att skapa en tavla tog han först upp till hundra fotografier med sina modeller för att fånga de rätta gesterna.

Rockwells arbete har haft en enorm inverkan på miljontals amerikaner. Han talade trots allt ofta med hjälp av sina målningar.

Under andra världskriget bestämde han sig för att visa vad soldaterna i hans land kämpade för. Efter att ha skapat bland annat tavlan "Freedom from Want". I form av Thanksgiving, där alla familjemedlemmar, välmatade och nöjda, njuter av familjesemestern.

Efter 50 år på Saturday Evening Post, flyttade Rockwell till den mer demokratiska tidningen Look, där han kunde uttrycka sina åsikter om sociala frågor.

Det ljusaste verket under dessa år är "Problemet vi lever med".

Detta är den sanna historien om en svart flicka som gick i en vit skola. Sedan en lag antogs om att människor (och därmed utbildningsinstitutioner) inte längre skulle delas upp efter raslinjer.

Men invånarnas ilska visste inga gränser. På väg till skolan bevakades flickan av polisen. Här är ett sådant "rutinmässigt" ögonblick och visade Rockwell.

Om du vill veta amerikanernas liv i ett lätt utsmyckat ljus (som de själva ville se det), var noga med att titta på Rockwells målningar.

Kanske, av alla målare som presenteras i den här artikeln, är Rockwell den mest amerikanska konstnären.

5. Andrew Wyeth (1917-2009)

Till skillnad från Rockwell var Wyeth inte lika positiv. En enstöring av naturen, han försökte inte försköna någonting. Tvärtom, han skildrade de vanligaste landskapen och omärkliga saker. Bara ett vetefält, bara ett trähus. Men han lyckades till och med kika något magiskt i dem.

Hans mest kända verk är Christinas värld. Wyeth visade ödet för en kvinna, hans granne. Efter att ha varit förlamad sedan barnsben kröp hon runt i området kring sin gård.

Så det finns inget romantiskt i den här bilden, som det kan verka till en början. Om du tittar noga, då har kvinnan smärtsam tunnhet. Och att veta att hjältinnans ben är förlamade förstår man med sorg hur långt hon fortfarande är långt hemifrån.

Vid första anblicken skrev Wyeth det mest vardagliga. Här är det gamla fönstret i det gamla huset. En sjaskig gardin som redan börjat förvandlas till strimlor. Utanför fönstret mörknar skogen.

Men det finns en del mystik i allt detta. Något annat utseende.

Så barn kan se på världen med en blick utan blinkningar. Det gör Wyatt också. Och vi är med honom.

Alla Wyeths affärer sköttes av hans fru. Hon var en bra arrangör. Det var hon som kontaktade museer och samlare.

Det var lite romantik i deras förhållande. Musiken var tvungen att dyka upp. Och hon blev en enkel, men med ett extraordinärt utseende Helga. Detta är vad vi ser i många verk.

Det verkar som om vi bara ser en fotografisk bild av en kvinna. Men av någon anledning är det svårt att bryta sig ur det. Hennes ögon är för komplexa, hennes axlar spända. Vi anstränger oss liksom internt med henne. Kämpar för att hitta en förklaring till denna spänning.

Wyeth skildrar verkligheten i varje detalj och begåvade henne magiskt med känslor som inte kan lämna likgiltiga.

Konstnären blev inte igenkänd på länge. Med sin realism, om än magisk, passade han inte in i 20-talets modernistiska trender.

När museiarbetare köpte hans verk försökte de göra det tyst, utan att väcka uppmärksamhet. Utställningar anordnades sällan. Men till modernisternas avundsjuka har de alltid varit en dundersuccé. Folk kom i massor. Och de kommer fortfarande.

Läs om konstnären med artikeln Christines värld. Andrew Wyeths mästerverk."

6. Jackson Pollock (1912-1956)

Jackson Pollock är omöjlig att ignorera. Han gick över en viss gräns inom konsten, varefter måleriet inte kunde vara detsamma. Han visade att i konsten i allmänhet kan man klara sig utan gränser. När jag lade duken på golvet och stänkte den med färg.

Och denne amerikanska konstnären började med abstraktionismen, där det figurativa fortfarande kan spåras. I hans verk av 40-talet "Shorthand Figure" ser vi konturerna av både ansiktet och händerna. Och till och med förståeliga för oss symboler i form av kors och nollor.

Hans arbete fick beröm, men de hade inte bråttom att köpa. Han var fattig som en kyrkmus. Och han drack skamlöst. Trots ett lyckligt äktenskap. Hans fru beundrade hans talang och gjorde allt för sin mans framgång.

Men Pollock var ursprungligen en trasig personlighet. Från hans ungdom stod det klart av hans handlingar att tidig död var hans lott.

Denna trasighet som ett resultat kommer att leda honom till döden vid 44 års ålder. Men han kommer att hinna göra en revolution inom konsten och bli känd.

Och han gjorde det under en period av två år av nykterhet. Han kunde arbeta fruktbart 1950-1952. Han experimenterade länge tills han kom till dropptekniken.

Han lade ut en enorm duk på golvet i sitt skjul och gick runt den, liksom med på själva bilden. Och sprayade eller bara hällde färg.

Dessa ovanliga målningar började gärna köpas från honom för deras otroliga originalitet och nyhet.

Pollock blev bedövad av berömmelse och föll in i en depression, utan att förstå vart han skulle ta vägen härnäst. Den dödliga blandningen av alkohol och depression gav honom ingen chans att överleva. En gång satte han sig bakom ratten mycket berusad. Förra gången.

7. Andy Warhol (1928-1987)

Endast i ett land med en sådan konsumtionskult, som i Amerika, kunde popkonst födas. Och dess främsta initiativtagare var förstås Andy Warhol.

Han blev känd för att ta de vanligaste sakerna och förvandla dem till ett konstverk. Det var vad som hände med Campbells soppburk.

Valet var inte av misstag. Warhols mamma matade sin son varje dag med denna soppa i mer än 20 år. Även när han flyttade till New York och tog med sig sin mamma.

Efter detta experiment blev Warhol intresserad av screentryck. Sedan dess har han tagit bilder av popstjärnor och målat dem i olika färger.

Så här såg hans berömda målade Marilyn Monroe ut.

En myriad av sådana Marilyn-syrafärger producerades. Art Warhol sattes igång. Som förväntat i ett konsumtionssamhälle.

Målade ansikten uppfanns av Warhol av en anledning. Och återigen, inte utan inflytande från modern. Som barn, under en utdragen sjukdom av sin son, släpade hon honom förpackningar med målarböcker.

Denna barndomshobby växte till något som blev hans visitkort och gjorde honom fantastiskt rik.

Han målade inte bara popstjärnor utan också sina föregångares mästerverk. Fick det och "Venus" Botticelli.

Venus, precis som Marilyn, har gjort mycket. Exklusiviteten hos ett konstverk "raderas" av Warhol till pudra. Varför gjorde artisten detta?

Att popularisera gamla mästerverk? Eller, omvänt, försöka nedvärdera dem? För att föreviga popstjärnor? Eller krydda döden med ironi?

Hans målade verk av Madonna, Elvis Presley eller Lenin är ibland mer igenkännliga än originalbilderna.

Men mästerverken kommer knappast att hamna i skuggan. Ändå förblir den ursprungliga "Venus" ovärderlig.

Warhol var en ivrig festdeltagare och lockade många utstötta. Narkotikamissbrukare, misslyckade skådespelare eller bara obalanserade personligheter. En av dem sköt honom en gång.

Warhol överlevde. Men 20 år senare, på grund av konsekvenserna av ett sår han en gång hade drabbats av, dog han ensam i sin lägenhet.

USA:s smältdegel

Trots amerikansk konsts korta historia är utbudet brett. Bland amerikanska konstnärer finns impressionister (Sargent), och magiska realister (Wyeth), och abstrakta expressionister (Pollock) och pionjärer inom popkonsten (Warhol).

Tja, amerikaner älskar valfrihet i allt. Hundratals valörer. Hundratals nationer. Hundratals konstriktningar. Det är därför han är smältdegeln i Amerikas förenta stater.

* Tonalism - monokroma landskap av grå, blå eller bruna nyanser, när bilden är som i en dimma. Tonalism anses vara en utlöpare av impressionismen, eftersom den förmedlar konstnärens intryck av vad han såg.

***

kommentarer andra läsare se nedan. De är ofta ett bra komplement till en artikel. Du kan också dela din åsikt om målningen och konstnären, samt ställa en fråga till författaren.

Engelsk version av artikeln