Konstarkiv Utvald konstnär: Ann Kullaf

Möt konstnären från konstarkivet. En målare av visuellt tilltalande stilleben och landskap, strävar Anne efter att illustrera mer än vad man kan se. Hennes dynamiska stil fängslar tittarna och får dem att titta två gånger på vanliga scener och föremål.

Denna passion driver hennes arbete och ger i sin tur bränsle till hennes framstående lärarkarriär och populära konton på sociala medier. Från att marknadsföra sina workshops i sista minuten till att demonstrera sina tekniker, visar Anne mästerligt hur undervisning och sociala medier kompletterar konstens affärsstrategi.

Hon tror att försäljning av konst bara är början och delar med sig av sina marknadsföringstips på sociala medier och vad hon lär sina elever om att vara konstnär utanför skolan.

Vill du se mer av Annas verk? Besök henne.

Gå in i (och utanför) en konstnärs ateljé.

1. DINA VERK ÄR HUVUDSAKLIGT STILLEVEN OCH LANDSKAP. VAD INSPIRERAR DIG OM DESSA ÄMNEN OCH HUR KOM DU TILL FOKUS PÅ DEM?

Jag tycker att saker är visuellt intressanta som kanske inte har visuell betydelse. Jag ser på världen med en abstrakt blick. Jag jobbar på samma sätt oavsett ämne. Eftersom jag hellre ritar från livet än från fotografier väljer jag ofta ett stilleben som motiv. Jag använder också stilleben som ett sätt att lära mina elever vikten av direkt observation (att arbeta från livet) som ett sätt att utveckla ett tränat öga.

Jag tittar på vad jag kan få ut av varje föremål, inte bara vad det är. Jag vill skapa något som är trevligt att se på; något spontant, livligt, som får ögat att röra sig mycket. Jag vill att tittaren ska titta på det mer än en gång. Jag vill att mitt arbete ska visa mer än vad det är.

Jag har ritat sedan jag var liten, studerat konst på college och har alltid sett på saker rent visuellt. Jag letar efter intressanta former, ljussättning och allt som får mig att vilja titta på motivet en andra gång. Det här är vad jag ritar. De kanske inte är unika eller nödvändigtvis vackra, men jag försöker visa vad jag ser i dem som gör dem unika för mig.

2. DU ARBETAR I OLIKA MATERIAL (VATTENFÄRG, FÄRG, AKRYL, OLJA, ETC.), SOM LÅTER DIG GÖRA DIN KONST REALISTISK OCH IMPRESSIONISTISK. VILKA PRODUKTER FAVOR DU ANVÄNDA OCH VARFÖR?

Jag gillar alla miljöer för olika applikationer och av olika anledningar. Jag älskar akvarell när det kommer till uttryck. Jag gillar att få idén rätt och sedan använda färg, textur och penseldrag för att ta det till nästa nivå.

Akvarell är så oförutsägbart och så flytande. Jag gillar att se det som en serie reaktioner när jag skriver ner varje slag. Till skillnad från de flesta akvarellare målar jag inte mitt motiv först med en penna. Jag flyttar runt färgen för att skapa de bilder jag vill ha. Jag använder inte heller akvarelltekniker, jag målar med pensel - ibland monokromatisk, ibland i färg. Det handlar om att rita ämnet på papper, men samtidigt uppmärksamma vad mediet gör.

Hur du applicerar färg på duken eller papperet är lika viktigt, om inte viktigare, än ämnet. Jag tror att en konstnär måste börja med en bra struktur när det gäller sammanhållen teckning och komposition, men de måste få mer till bordet och visa betraktaren hur man uppfattar ämnet.

Det som gör något unikt, det som får dig att vilja titta på det, är immateriellt. Det handlar mer om gesten och ögonblicket snarare än de små, små detaljerna. Det är hela denna idé om spontanitet, ljus och vibration som jag vill ingjuta i mitt arbete.

3. HUR SKULLE DU BESKRIVE DINA METODER SOM ARTIST? FÖREDRAR DU ATT ARBETA I STUDIO ELLER VARA UTE?

Jag föredrar att alltid arbeta från livet när det är möjligt. Om jag är inne kommer jag att sätta upp ett stilleben. Jag målar absolut stilleben från livet för man ser mer. Detta är mer utmanande och tränar ögat att se vad du tittar på. Ju mer du hämtar från livet, desto mer djup kommer du att uppnå och bli en bättre tecknare.

Jag gillar att arbeta på plats när det är möjligt eftersom jag tycker om att arbeta utomhus. Om jag är inomhus skissar jag oftast mitt verk baserat på efterforskningar som gjorts på plats, kombinerat med några mycket snabba fotografier. Men jag förlitar mig mer på forskning än fotografier – foton är bara en utgångspunkt. De är platta och det är ingen idé att vara där. Jag kan inte vara där när jag håller på med ett stort verk, men jag skissar i min skissbok – jag gillar akvarellskisser – och tar med dem till min studio.

Att rita från livet är väldigt viktigt, särskilt för dem som precis har börjat rita. Om du har ritat länge har du tillräckligt med erfarenhet för att ta ett foto och förvandla det till något mer. En blivande artist går efter en kopia. Jag accepterar inte att arbeta från fotografier och tycker att konstnärer borde ta bort ordet "kopia" från sitt ordförråd. Foton är bara en utgångspunkt.

4. VAD MINNESBARA SVAR HAR HAR DU DITT ARBETE?

Jag hör ofta folk säga, "Wow, det är så levande, det är så ljust, det har riktig energi." Folk säger om mina stadsbilder: "Jag kunde gå direkt in i målningen." Sådana svar gör mig väldigt glad. Det är verkligen vad jag vill säga med mitt arbete.

Berättelserna är mycket livliga och fulla av energi – betraktaren måste vilja utforska dem. Jag vill inte att mitt arbete ska kännas statiskt, jag vill inte att det ska se ut som ett fotografi. Jag vill höra att den har "så mycket rörelse". Om du rör dig bort från det, bildar det en bild. Tittar man noga är det en blandning av färger. När du har värderingarna och färgen på rätt ställen, är det där magin händer. Det är vad målning är.

Du måste ha ett anteckningsblock och en penna redo för dessa smarta konsttips (eller bokmärkesknappar).

5. DU HAR EN UTMÄRKT BLOGG, ÖVER 1,000 3,500 PRENUMERENTER PÅ INSTAGRAM OCH ÖVER XNUMX XNUMX FANS PÅ FACEBOOK. VAD PÅVERKAR DINA INLÄGG VARJE VECKA OCH HUR HAR SOCIALA MEDIER HJÄLPT ATT VÄXA DIN KONSTVERKSAMHET?

Jag skiljer inte min undervisning från min konstverksamhet. Jag ser det som en del av det jag gör. Jag får en del av min inkomst från kurser och masterclasses, den andra delen från målningar. Denna kombination utgör min konstverksamhet. Jag använder sociala medier för att öka medvetenheten om mitt arbete, introducera människor till det och attrahera potentiella studenter.

När jag behöver en eller två personer till för att fylla mina workshops lägger jag upp på Facebook. Jag brukar locka folk eftersom jag skriver inlägg om de ämnen som lärs ut i klassen. Jag har också folk som är potentiella samlare som kommer till shower, så jag riktar in mina inlägg till deras område och folk kommer. Det här får människor som jag inte känner att visa i mitt område och bidrar definitivt till att öka medvetenheten om mitt arbete.

Jag har så många inlägg på sociala medier för varje gång jag gör en demo lägger jag upp den. Detta ger andra konstnärer och framtida studenter en uppfattning om vad jag lär ut, hur jag förhåller mig till ämnen och hur mycket arbete som går åt till att bli en mästare.

Många nybörjare är ivriga att komma till en nivå där de vet vad de gör. De frågar när de ska vara redo att ställa ut i galleriet. Det tar mycket tid och konstant ansträngning att skapa ett verk innan man överväger galleriutställningar. Jag ser hur mycket arbete och ansträngning det verkligen kräver.

Jag lägger också upp innehåll som är pedagogiskt för andra artister som försöker ta sig till nästa nivå. Detta pekar dem i rätt riktning och gör dem intresserade av att arbeta med mig i en framtida klass.

Att hålla mina blogginlägg autentiska och positiva är verkligen viktigt för mig. Det finns många saker som inte är viktiga för nybörjarkonstnärer, så jag vill ge dessa artister grunderna.

6. DU ÄR EN FAKULTET PÅ NEW JERSEY FINE ARTS CENTER, HUNTERDON ART MUSEUM OCH CENTRUM FÖR SAMTIDSKONST. HUR PASSAR DETTA MED DIN KONSTVERKSAMHET?

Jag gör alltid demonstrationer och ser undervisning som en del av min konstverksamhet. Några av mina bästa teckningar kommer från demonstrationer när jag undervisar elever.

Jag älskar att demonstrera. Jag är intresserad av att ge eleverna färdigheter som de kan använda på egen hand. Du får ut mer av dina klasser när fokus ligger på lärande snarare än individuell tid i studion.

Jag använder mitt eget arbete som exempel. Jag tar med eleverna på resor. Jag börjar varje lektion med en demonstration. Jag har alltid ett koncept som jag betonar i en demo, som komplementfärger, perspektiv eller komposition.

Jag undervisar också en hel del friluftsverkstäder, så jag kombinerar en workshop med några dagars målning. Jag undervisar i pastell och akvarell i Aspen i sommar. Jag kommer att använda forskningen när jag kommer tillbaka för större projekt.

Jag kan prata och rita samtidigt, det gör mig verkligen inte förvirrad. Jag tror att vissa har problem med detta. Det är viktigt att din demonstration är vettig. Prata om det och tänk på det för att hålla fokus. Se till att detta är en mycket viktig punkt i det du gör. Självklart, om jag arbetar på en kommission, kommer jag inte att göra det i klassen. Jag har gjort några av de större bitarna i klassen och gjort mindre bitar att sälja. Om du ska undervisa måste du kunna det. Elever som studerar konst är visuella elever.

7. VAD ÄR DIN FILOSOFI SOM LÄRARE OCH VAD ÄR LEKTIONEN NUMMER ETT DU VILL DINA ELEVER SKA KOMMA IHÅG?

Var autentisk. Försök inte att vara någon annan än dig själv. Om du har något som är en styrka, gör det bästa av det. Om det finns områden du är svag inom, ta itu med dem. Ta en konstkurs eller en färgblandningskurs. Acceptera det faktum att du måste bekämpa dina svagheter och göra det bästa du kan med dem.

Håll dig till det som upphetsar dig. Jag älskar att rita och jag älskar abstrakt målning, men jag ser mig aldrig förvandlas till en ren abstrakt konstnär eftersom jag älskar att rita för mycket. Detta är en viktig komponent för mig som artist.

Bestäm dig inte för att du ska rita mer realistiskt för att öka försäljningen om det inte är det du vill. Rita det som motiverar och retar dig mest. Allt mindre än detta är inte ditt bästa arbete.

Arbeta med dina svagheter och bygg vidare på dina styrkor. Gå efter det du verkligen bryr dig om och bli framgångsrik med det. Ändra inte för att tillfredsställa marknaden för du kan aldrig göra alla nöjda. Det är därför jag inte tar så många beställningar. Jag vill inte måla en annan persons bild och sätta mitt namn på den. Om du inte är intresserad av att rita något, gör det inte. Det är bättre att lämna honom än att riskera att förstöra ditt rykte som artist.

Vill du höra mer från Anne Kullaf? .